Blacklister

J’ai reçu hier un courriel, sur ce que je nomme ma « boîte de dérivation », c’est-à-dire l’adresse que je réserve aux « commerces » en tout genre, d’un de mes amis, qui me demandait si je l’avais « blacklisté »…

Ce terme m’a interloquée, d’où le billet de ce matin… Interloquée, d’abord, parce que l’ami en question est un érudit, qu’il aime notre belle langue, et qu’il écrit lui-même de belles nouvelles pleines de poésie, en un français châtié. Pourquoi avoir utilisé ce mot à consonance anglophone, alors que nous avons un beau « inscrit sur la liste noire », certes un peu plus long, mais pas tant que cela (3 syllabes si les e restent muets, 2 si on remplace « inscrit » par « mis », plus courant).

Et l’idée même convoquée par son utilisation me choque. « Blacklister »… Jamais je ne fais cela, sauf dans des cas de force majeure, si je m’estime en danger. Il est si aisé d’expliquer à une personne qu’on ne souhaite pas, qu’on ne souhaite plus communiquer avec elle, et de lui en expliciter les raisons, non? Surtout quand cette personne est ouverte, vous respecte et se respecte!

Alors, pourquoi ce mot, me direz-vous? Je n’en sais rien. La seule hypothèse plausible, pour moi, sur l’instant, a été une forte émotion qui l’a poussé à enfreindre ses propres normes et à se laisser aller à un vocabulaire qui évoque la prohibition et le « milieu »… à moins qu’il ne s’agisse d’une provocation destinée à me faire réagir. Elle a réussi, puisque j’ai commis ce billet…

Un Feydeau moins ennuyeux…

Je n’appréciais pas spécialement les comédies de Feydeau, jusqu’à la semaine dernière. Un peu poussiéreuses, trouvais-je, et qui plus est souvent sur une thématique que je rejette profondément d’un point de vue idéologique, la « tromperie »… Et voici qu’une pièce, dont pourtant l’argument est fondé sur cette thématique, m’a réconciliée avec ce type de théâtre. Intriguée par les nombreuses critiques très positives découvertes sur le net, je suis en effet allée voir « Le Système Ribadier » aux Bouffes Parisiens.

Je ne puis m’empêcher de faire une brève digression sur ce théâtre qui combine en un espace restreint (trop restreint, me disaient mes jambes pendant la représentation, coincées entre les sièges du premier rang de la corbeille et la balustrade… à croire que les spectateurs de l’époque avaient des jambes plus petites que les miennes!)… qui combine, disais-je donc, tous les éléments architecturaux et décoratifs attendus d’un théâtre dans notre imaginaire, sans pour autant être surchargés de statuettes ou hauts reliefs dorés.

Le théâtre possède deux façades, qui lui donnent un air de pièce de monnaie.

Côté pile, une superbe façade en bois noir, située au sein du Passage Choiseul.

Côté face, une façade plus résolument « moderne », avec ses baies vitrées et ses enseignes lumineuses…

Si l’histoire du théâtre vous intéresse, vous la trouverez sur le site officiel, ou, pour ce qui concerne ses débuts, ce texte du XIXème siècle.

Mais revenons au présent… et donc à la pièce, sujet principal de cet article, n’est-ce pas?

Le décor surprend dès l’abord. Une espèce d’igloo stylisé. Au centre, une porte-fenêtre. A droite, rien d’autre apparemment que les « arches » en noir et blanc. A gauche, une caricature à la Daumier.

Très vite, on comprend que ce décor permet trois accès à la scène, car la porte-fenêtre s’ouvre… ou plutôt, non, pas comme une porte, mais comme une fenêtre dont les acteurs doivent enjamber le rebord. le code « cour » « jardin » est ainsi cassé, et ces trois accès permettent d’accélerer le rythme des entrées/sorties et de traduire en un ballet rapide celles des divers personnages, à certains moments de la pièce. Le mobilier est sobre, contrairement à d’autres décors qui retracent les intérieurs bourgeois de l’époque avec meubles, coussins, tentures et bibelots à confusion. Les spectateurs découvrent un ingénieux système autour d’une longue table centrale, très sobre, au centre de la scène. Mais je ne vous en dis pas davantage, pour le cas où vous iriez voir la pièce. Il faut ménager l’effet de surprise!

Les acteurs sont époustouflants de vitalité et de dynamisme, parvenant à garder un rythme très rapide (peut-être un peu trop à mon goût, parfois?) tout au long de cette pièce qui dure près de deux heures, sans entracte. Les répliques fusent, et Patrick Chesnay s’amuse visiblement à prendre à parti le public. Nouvelle parenthèse ici pour vous dire combien j’ai été séduite par le fait que, malgré la barrière lumineuse de la lampe, il parvient à capter tout le public, y compris les « pauvres » des derniers étages ou des côtés néfastes aux nuques…

Je ne vous en dis pas plus, vous laissant le loisir de découvrir cette mise en scène et interprétation de la pièce, qui, au-delà des poncifs du théâtre de boulevard, requestionne la place de la femme, car Angèle est intelligente, rusée et érudite – elle reconnaît un extrait de Musset, cite Antinoüs… et menace du divorce et surtout de se faire rendre sa dot!

Tolérance et bienveillance

Ces deux mots m’ont été proposés par un ami comme sujet de réflexion, de manière tout à fait inattendue dans un contexte de convivialité débridée. Et, bien sûr, je n’ai pas pu m’empêcher de mettre mon grain de sel, puis de continuer à y penser, avant d’en venir, ici, à vous (dé)livrer le résultat de mes cogitations aussi spontanées que non étayées…

La première connotation qui m’est venue, à l’évocation conjointe de ces deux termes, est celui de « supériorité ». Pour moi, déclarer de la tolérance ou de la bienveillance, c’est se reconnaître une forme de pouvoir sur l’interrelation, donc une espèce de supériorité sur l’Autre, dont on va « tolérer » la présence, les idées, la marginalité, etc. ou que l’on va traiter avec « bienveillance ». Vous pouvez comprendre combien cela pose question pour l’égalitaire à tout crin que je suis…

Nous avons ensuite débattu sur la vision binaire qu’entraîne le « bien » de « bienveillance ». Bien / Mal veiller… N’y a-t-il pas de troisième voie? Quelle serait-elle?

Je ne prétends pas proposer de solution, mais ces mots seraient pour moi à bannir. Contentons-nous de nous ouvrir à toute pensée et de ne pas nous mettre sur piédestal, cela permettra peut-être d’éviter des complexes et rancoeurs porteurs de germes de violence…

Gaspard Proust à la Comédie des Champs Elysées

Je n’étais jamais allée à la Comédie des Champs Elysées qui, comme son nom ne l’indique pas, ne se trouve pas sur l’Avenue éponyme mais sur l’Avenue Montaigne… Un site intéressant… Accès à l’étage par un ascenseur un peu « Art Déco », immense, avec un liftier qui pourrait être de la même époque…

L’étonnant ascenseur
Source : kactus.com

Un bar classique, avec moultes bouteilles de Champagne bien en vue pour appâter le chaland…

theatre de la comédie des champs-elysées — La salle (1913)
Source : site du théâtre

Une belle salle qui comporte tout ce que l’on peut en attendre, malgré sa petitesse : des balcons, des corbeilles… et même une scène! Par contre, je n’ai pas vu de rideau, car il était levé à l’arrivée, et l’est resté tout le temps du long monologue de l’artiste, censé venir de la loge de celui-ci – et peut-être est-ce vrai?

Long monologue, effectivement… et une sacrée performance d’acteur, dans le sens où l’on assiste à une sorte de logorrhée – comme je l’ai entendu dire par une jeune femme sur le quai du métro, hier, une « logorrhée de paroles » (sic!) – qui a beaucoup séduit un public visiblement acquis d’avance, et a fait rire à gorge déployée mes voisines de devant et de derrière.

Bon, vous l’avez deviné, pas moi. Pourtant, j’apprécie beaucoup l’humour, le premier, le second, voire le troisième degré. Mais en l’occurrence, j’ai vraiment très peu ri et peu apprécié ce spectacle pour « bobos in ». Certes, on pourra me reprocher d’être un peu coincée si je dis que, pour moi, on ne peut pas rire de tout, de la Shoah par exemple. Certes, on pourra m’accuser d’être un peu bourgeoise quand je reconnais ne pas aimer les gauloiseries grasses ni les images d’éjaculation faciale. Et aussi d’être idéaliste pour penser qu’un artiste se doit de s’engager, à défaut d’être engagé.

Car c’est pour moi le principal défaut de ce type de spectacle : à force de tout dénoncer, on ne dénonce rien. On « noie le poisson » – et on noie ses idées par la même occasion. Il est facile de critiquer les politiques, les croyants de tout bord, les adeptes du bio, les vieux, les jeunes, etc. Mais quand cela devient une forme de parti pris sans relief, toute la satire perd de sa valeur et aucune idée forte n’émerge. D’accord, je suis peut-être partiale, mais je trouve regrettable de ne pas mettre un tel talent au profit de causes, quelles qu’elles soient…

Il n’en reste pas moins que ce spectacle vaut la peine d’être découvert, ne serait-ce que pour deux choses : la performance de l’artiste, et les rires de la salle.

Un peu de musique en ce monde de brutes. Billet 6

Du mal à travailler ce matin… et un SMS d’un ami qui m’indique un morceau « sympa » sur France Musique. Je me connecte donc rapidement… et découvre une oeuvre que je ne connaissais pas du tout, Suite pour flûte et piano: IV. Romance. La voici en ligne…

Elle est extraite du dernier album de deux musiciennes, Juliette Hurel et Hélène Couvert, « Compositrices à l’aube du XXème siècle ».

Compositrices à l'aube du XXe siècle - Juliette Hurel et Hélène Couvert

La présentation des compositrices est proposée par Julie Depardieu ici.

Bien sûr, je n’ai pas pu m’empêcher de découvrir ces 5 compositrices… Mel Bonis, Augusta Holmès, Clémence de Grandval, Cécile Chaminade et Lili Boulanger… Comme je dois me remettre au travail, nous y reviendrons plus tard… A moins que l’un ou l’une d’entre vous ne participe… ce serait bienvenu!

Une extraordinaire symbiose interculturelle

C’était pour moi une gageure que de réserver pour un tel spectacle… je me demandais vraiment ce que cela pourrait donner… Mais cette témérité a payé! J’ai rarement vu un spectacle aussi intéressant, voire passionnant (dans tous les sens du terme) et surtout porteur d’un optimisme extrême…

De quoi s’agit-il? Vous demandez-vous peut-être… Eh bien, il s’agissait d’une rencontre entre la musique, le chant et la danse flamenco d’un côté, et la musique/le chant japonais… Une danseuse et une cantatrice, entourées, soutenues, portées, mises en valeur… que dire?… par un orchestre et des chanteurs tour à tour très discrets, ou au contraire dynamisants…

La scène est celle du Théâtre de Chaillot… Au centre, un cercle délimité par des spirales métalliques non fixes… Au départ, cercle parfait, il sera progressivement détruit, devenant ainsi pure symbole de la disparition possible des frontières culturelles et de l’osmose idéale entre les cultures, aussi éloignées soient-elles à l’origine. Car quel écart plus important qu’entre la chaleur / l’érotisme / la passion du flamenco, et la froideur / la pureté / l’esthétisme figé de l’art japonais ? Entre les mouvements plus que rapides de la danseuse et les déplacements plus que lents de la chanteuse, le ton était donné dès le départ… Non, pas tout à fait le départ, car la première partie est à situer un peu à part…

Un duo de… mime ou danse?

Hors du cercle, un seul corps, quatre mains… Le danseur, placé derrière la danseuse… faut-il utiliser ce terme? car les corps, cachés dans d’amples vêtements aussi noirs que le décor, restent d’une immobilité presque parfaite… Et les bras apparaissent, disparaissent… Et les mains caressent l’air, le bras, le corps…

Le public reste en haleine devant un tel spectacle, d’une pureté aussi forte que l’érotisme qui s’en dégage… dans un paradoxe qui annonce la thématique de la suite…

Deux univers distincts…

Le jeu se fait ensuite en deux espaces bien distincts. Alors que le cercle est réservé au flamenco, la cantatrice japonaise évolue et chante en restant à l’extérieur. Revêtue d’un superbe manteau très large, avec traîne, elle tourne lentement autour de l’espace réservé, pour de temps à autres s’arrêter et entonner des airs d’une finesse et d’une pureté infinies…

… qui se rejoignent progressivement…

Nous assistons alors à un rapprochement progressif des univers, passant par la médiation de la musique… Les musiciens jouent un rôle qui se développe au fur et à mesure du spectacle… Musique asiatique et musique flamenca passent du contrepoint à l’alliance… La dynamique est surprenante… Et la chanteuse rejoint peu à peu les musiciens, tandis que la danseuse reste seule au centre du cercle de ces derniers…

… jusqu’à ne faire qu’un

La dernière partie est ainsi plus qu’étonnante, et démontre brillamment que des univers musicaux et gestuels aussi éloignés peuvent se rejoindre en une harmonie remarquable. J’ai été littéralement fascinée – le mot n’est pas trop fort – par cette alliance pour le moins inattendue. Et chants, danse, musique, font éclater une joie et un optimisme porteurs de sens.

Pour sortir du « ressenti » et aller plus loin…

Je m’aperçois que je n’ai pas dit un mot qui permette de situer le spectacle, ni de connaître les artistes. Je vais donc maintenant réparer ces lacunes!

Il s’agit d’une programmation dans le contexte de la 4ème Biennale d’art flamenco au Théâtre National de la Danse de Chaillot : Cuentos de Azucar.

« … cette biennale se caractérise par la rencontre d’artistes venus d’univers et de cultures en apparence très éloignés. C’est par exemple le cas d’Eva Yerbabuena qui, après un voyage au Japon, a intégré à son spectacle le chant d’Anna Sato… »

Voilà, vous avez maintenant le nom des artistes… Pour en savoir davantage sur Eva Yerbabuena, voici son site. Pour ma part, je tiens à préciser qu’elle ne se limite visiblement pas au flamenco. C’est une danseuse complète, qui semble maîtriser aussi la danse contemporaine.

Je n’ai pas trouvé beaucoup d’informations sur Anna Sato… Une page Facebook… Mais il faut dire que je ne lis ni n’écris le japonais… Donc si vous pouvez m’aider à la comprendre davantage, merci de collaborer! Je rajoute un mot in extremis, car je viens de trouver, au moment de publier cet article, son site officiel.

Un dernier mot, sur les costumes. Une recherche évidente d’antinomie, au départ, pour renforcer le hiatus. Les costumes d’Anna Sato sont superbes et fort bien mis en valeur par la chanteuse – danseuse en l’occurrence. J’ai moins aimé ceux de Eva Yerbabuena, car les tissus manquaient selon moi de tenue. Mais peut-être était-ce voulu pour évoquer un autre écart implicite : aristocratie / peuple???

Bien sûr, je n’ai pas pris d’images, sauf à la toute fin, comme d’habitude, de mauvaise qualité, mais que je joins car libres de droit (belle excuse, non?).

Mais on en trouve sur le site de ce photographe. Cela vous donnera une petite idée… toute petite… car tout est dans le mouvement, les sons, et les enchaînements… Quelques extraits sont en ligne sur YouTube. Dans ce premier, composé d’extraits, vous assisterez au début du spectacle, le couple de danseur/danseuse que j’évoque en première partie du texte, puis à la déambulation de la Japonaise autour du cercle, et enfin à des solos d’Eva Yerbabuena. Dans celui-ci, la danseuse s’exprime sur fond de chant et musique japonais, puis l’on assiste à une transition avec le flamenco… Un reportage sur la conception de la chorégraphie… Le teaser est peu explicite, mais on entend bien la voix… C’est aussi le cas sur cet extrait musical.

L’exposition Hartung suivie d’une performance-concert

En ce glacial jeudi de janvier, il fallait un peu de courage pour se rendre à l’autre bout de Paris… Mais il faut avouer que le jeu en valait la chandelle.
Le Musée d’Art Moderne, après une période de fermeture précoce le soir, ouvrait en nocturne, ce qui permettait, avant le concert réservé, de visiter l’exposition.

L’exposition Hartung

Peut-on aimer une oeuvre sans apprécier son auteur? Telle a été la question en filigrane tout au long de la visite de cette exposition, qui présente une magnifique rétrospective des expériences picturales, sculpturales et photographiques d’Hans Hartung.

L’homme ne me plaît pas beaucoup, je dois bien l’avouer. Cette mise en scène permanente de sa vie, une forme de carriérisme peut-être, et la manie de classer toutes ses productions dès le début me posent question.

Mais je ne prétends pas bien le connaître…
Par contre, le foisonnement intense de sa production et les expérimentations qui le caractérisent me séduisent au plus haut point.
Je n’apprécie pas toutes ses oeuvres, mais presque. Et voir emprunter à de nombreux peintres pour ses débuts, puis prendre son envol et tester, tenter, tester sans cesse, m’intrigue et me plaît, je dois le dire.

« La fabrique du geste », je trouve le titre très juste pour cette rétrospective. Je pensais déjà bien connaître les peintures d’Hartung, mais j’en ai découvert d’autres, notamment celles de ses débuts.

Qui penserait Hartung en voyant cette oeuvre?

Et le fil conducteur est bien la « fabrique »… mais aussi, et c’est plus ce qui me perturbe, la « fabrication ». Et l’artiste semble s’être autant « fabriqué » qu’il ne l’a fait pour sa gestuelle et sa production.

Mais je reste coite devant un certain nombre de ses inventions. Celle-ci, par exemple…

Ou encore celle-là…

Désolée pour le reflet, mais c’est le propre des musées que de ne pas savoir bien éclairer les toiles… Et encore, le MAM n’est pas le pire… Il n’est qu’à aller au Louvre pour en souffrir encore davantage! Je n’ai donc pas pris davantage de photos et vous renvoie au site dédié de la Fondation Hartung-Bergman.

Le concert-performance Rodolphe Burger & Mahut

J’avais eu la bonne idée de réserver très tôt pour ce concert dont la présentation m’intriguait et qui était offert… eh oui, un concert gratuit, ce n’est pas si fréquent! Bien m’en a pris, car il a vite été complet. Il faut dire que la salle Matisse est certes haute de plafond, mais assez contraignante en termes de places… je n’ose dire « assises », car il n’y a que de rares sièges pliants, et le public se contente des marches sises face aux trois toiles du Maître.

J’étais intriguée, et je n’ai pas été déçue. La performance est aussi intrigante que réussie. Et je n’ai pas été la seule enthousiasmée par ce concert aux saveurs de psychédélisme, comme l’a fait observer un des spectateurs.

Le parti-pris de la répétition et des « boucles », au départ un peu dérangeant, se révèle envoûtant… L’exploitation de la voix de Hartung est remarquable… Quant au « texte », dit, lu, récité ou chanté – eh oui, toutes ces modalités ont été mises en oeuvre ! -, il m’a fascinée. Notamment par le paradoxe soulevé « lenteur » (non exprimé) vs « rapidité » (répété à outrance, en contrepoint de ralentis…).

Impossible de citer tous les instruments utilisés par Mahut, tant ils sont nombreux, variés, et, pour certains, « fabriqués »… n’oublions pas que Mahut est aussi plasticien…

La « panoplie » d’instruments-oeuvres de Mahut

Ce foisonnement d’instruments pour une oeuvre aussi brève (40mn) fait écho aux instruments exploités par Hartung, dont j’ai appris qu’il les numérotait, classait, rangeait et photographiait méthodiquement.

Bref, des moments intenses, des vibrations profonds, et des émotions esthétiques de toutes sortes… Un excellent moment, malheureusement interrompu brutalement par l’annonce de la fermeture du Musée! La salle voulait rappeler, mais ce ne fut pas permis… dommage!

PS En recherchant pour vous des images des artistes concernés, je me suis rendu compte qu’il en existait peu… et la vidéo de Burger que je vous propose n’est pas très proche de ce qui a été présenté! Le voici ici avec Higelin. Et ici dans Radioactivity. Ce qui vous donne une idée de l’éventail de ses interprétations vocales ou musicales.

Quant à Mahut, j’ai trouvé une vidéo qui donne bien l’idée de ce qu’il a joué hier… Il est ici avec Lavilliers. Et un bel article sur les deux artistes…

Des chants moraves au « cello »… Chronique d’une matinée ordinaire

Cello, c’est le violoncelle, vous le savez sans doute? Joli mot, qui me fait penser aux oiseaux italiens… mais des oiseaux graves, aux sonorités prenantes et prégnantes…
J’avais commencé en ce gris matin de novembre par une tentative de réécouter les Chants Moraves de Dvorak… Rien à voir avec le violoncelle, me direz-vous.

Hier en effet je suis allée écouter le choeur Polycantus.

Le concert avait lieu dans l’église de l’Annonciation, dans le 16ème arrondissement, église qui en réalité est un lieu de culte protestant, comme l’attestent le livret de chants et la Bible offerts à la lecture des spectateurs/trices ( j’ai passé un bon moment à essayer de trouver des chants communs au culte protestant et au culte catholique, en attendant le début du concert! ).

J’ai beaucoup aimé les Chants Moraves et la Messe, et seulement regretté l’interprétation trop « appliquée » du choeur, qui ne permettait pas de faire jaillir l’émotion que j’attendais, que j’espérais. Un peu trop « amateurs » sans doute, avec une exception, un jeune homme que j’avais remarqué, et qui d’ailleurs a été salué par le chef. Qui est-il? Je ne puis vous le dire, hélas… Mais vous le verrez sur cette photographie (hélas très mauvais, désolée!) : il est à droite, devant la colonne. Si vous le reconnaissez, merci de me dire de qui il s’agit, j’aimerais le réentendre chanter!

Six chants moraves, dont les textes évoquent la culture rurale et les troubles de l’amour… Six mélodies très différentes, dont certaines très entraînantes invitent à la danse (difficile sur un banc d’église, de surplus fort inconfortable!)…

Puis un intermède au piano, trois mazurkas de Chopin…

Ensuite, la messe en ré… avec de curieuses séquences… L’Agnus Dei scindé, par exemple, apparaît à deux moments… Ma voisine, perturbée, a même recherché dans le programme ce qui pouvait se passer…

Elle est belle, cette messe! Dommage qu’elle ait été aussi platement interprétée… En voici une autre version…

Bref, pour revenir au fil de cet article, je suis allée rechercher sur le net d’autres interprétations des chants moraves… en vain, à l’exception d’un autre choeur amateur… Mais You Tube poursuit son chemin, et propose d’autres titres… selon quelle ontologie??? je l’ignore, mais il est parfois fantaisiste… j’ai donc eu droit à un certain nombre de chants, et ai réécouté avec plaisir certains d’entre eux…

Puis un morceau de violoncelle m’a donné envie de réentendre une artiste découverte par hasard hier… Sol Gabetta… Si l’on regarde les photos obtenues par une recherche « images » sur son nom, on ne peut, je pense, qu’être saisi-e par l’intensité de ses expressions, et imaginer celle du jeu de cette violoncelliste argentine qui désormais vit et travaille en Suisse.

Superbe aussi, cette interprétation , modèle pour moi de beauté liée à une extrême simplicité qui apure l’oeuvre – déjà très épurée – du compositeur estonien Arvo Part…

Bref, me voici passée de Dvorak à Part… de la Tchéquie à l’Estonie, en passant bien sûr par la Pologne avec Chopin… Ne manquent que la Lituanie et la Lettonie… une prochaine fois?

Forsythe à l’Opéra Garnier

J’avais vu et revu les ballets de Forsythe en Avignon jadis, et il en est un annoncé à Paris à un moment où je m’y trouve… L’occasion est trop belle… Me voici donc à l’Opéra… saisie d’entrée de jeu, c’est le cas de le dire… par des pneus… ce n’est pourtant pas le Salon de l’Agriculture en ce moment!

Apparemment je ne suis pas la seule à trouver vraiment très décalées ces « oeuvres d’art », à savoir des pneus de tracteur recouverts de doré… Mais je ne suis pas critique d’art ni même experte… D’après mes recherches a posteriori sur le net, ils ont fait polémique ! Ils font partie des installations imaginées par l’artiste pour le 350ème anniversaire de l’Opéra Garnier.

Me séduisent davantage les somptueux vêtements portés par les artistes à diverses époques…

Après avoir visité l’étage, me voici installée pour le spectacle, avide de revoir un de mes chorégraphes préférés… Mais il n’est prévu que dans la seconde partie.

Le premier ballet présenté est un mixte condensé de théâtre nô et de légendes celtes… Etonnant, n’est-ce pas? Et déroutant, il faut l’avouer. Un peu long, parfois. Hésitant entre le statique et la danse, entre deux mondes, entre des mythologies et cultures si opposées que l’on a du mal à en apprécier la rencontre… Voici ce qu’en dit le site officiel.

« Invité pour la première fois à l’Opéra national de Paris, le chorégraphe Alessio Silvestrin revient sur sa rencontre avec Hiroshi Sugimoto et la naissance d’At the Hawk’s Well. Création pour les danseurs du Ballet de l’Opéra national de Paris, cette pièce s’inspire d’un texte du poète irlandais W.B. Yeats et du théâtre nô. Œuvre totale, réunissant également le compositeur Ryoji Ikeda et le couturier Rick Owens, elle sonde notre rapport au temps, à la mort et à l’identité. »

Bien sûr je n’ai pas pris de photos autres que celle de la fin, un peu floue comme vous pourrez le constater… Mais vous pourrez lire un article à ce sujet ici. En voir des extraits ici, ici et là, avec un entretien avec Alessio Silvestrin, le chorégraphe, qui parle de sa collaboration avec Hiroshi Sugimoto: « un grand exercice d’assemblage », comme il le qualifie lui-même. Et aller le voir, pour vous faire votre propre idée… Certains passages m’ont séduite, mais d’autres m’ont ennuyée… Manque de culture asiatique, peut-être? Mais aussi trop faible connaissance de la littérature irlandaise, en particulier de Yeats... et du poème concerné, dont je n’ai pas trouvé la traduction.

J’ai découvert de nombreuses versions de l’interprétation du texte de Yeats, à travers le monde et les époques. En voici une à Sao Paulo en 2015, une version de Nigeal Keay en 2012, et une traduction dans une langue asiatique que je n’ai pas identifiée (japonais?).

A l’entracte, visite des différents espaces de l’Opéra, une coupe à la main… des plafonds à faire tourner la tête…

… des rideaux comme on ne voudrait pas avoir chez soi… mais qui n’en sont pas moins somptueux…

… et des tableaux plus qu’évocateurs…

Un petit salut aux Maîtres dont les bustes sont disséminés dans les espaces…

… et il est grand temps de regagner l’orchestre, pour la suite du spectacle, tant attendue!

Pas de déception, si ce n’est la brièveté du ballet. Le grand Forsythe n’a pas changé, et magnifie toujours autant les corps de ses danseuses et surtout danseurs. Puissance et grâce unies pour le plus grand plaisir des spectateurs… et spectatrices dont je suis! Un pur moment de bonheur… ou plutôt des moments, en fonction des « tableaux »…

On peut voir sur le net un teaser sur la préparation du spectacle, et des extraits de Blake works ici et là.

Une soirée donc pleine d’intérêt, mettant en question l’interculturalité, et confortant mes goûts anciens, pour la chorégraphie et les danseurs de Forsythe…

Blake works est un ballet à voir absolument, comme tant d’oeuvres du chorégraphe!

Communion musicale

Je viens de trouver par hasard, alors que je m’intéressais ce matin à la chanson basque, cette vidéo de chanson… bretonne!

Et je ne résiste pas à la tentation de la partager, car elle symbolise à merveille le bonheur de vivre ensemble une musique, une culture, une chanson…

Tri Martelod y est interprété par Alan Stivell, mais repris avec d’autres chanteurs bretons : Tri Yann, Dan Ar Braz, Servat, Armens. Un choeur exceptionnel!

En voici la traduction, pour celles et ceux d’entre vous qui ne parlez pas cette belle langue… On y chante l’amour vainquant la pauvreté…

Tri martolod yaouank, la la la
Trois jeunes marins, la la la
Tri martolod yaouank o vonet da veajiñ
Trois jeunes marins s’en allant voyager
(x2)
Avec le vent ont été emmenés, la la la
Jusqu’à Terre Neuve (x2)
A côté de la pierre du moulin, la la la
Ils ont jeté l’ancre (x2)
Et dans ce moulin, la la la
Etait une servante (x2)
Et elle me demande, la la la
Où avons nous fait connaissance ? (x2)
A Nantes, au marché, la la la
Nous avons choisi un anneau (x2)
L’anneau de la promesse, la la la
Et nous étions sur le point de nous marier (x2)
Nous nous marierons, la la la
Même si nous avons pas de biens (x2)
Ma mère vous êtes à l’aise, la la la
Vous ne savez pas qui est dans le besoin (x2)
Nous n’avons ni maison, ni paille, la la la
Ni lit pour dormir la nuit (x2)
Nous n’avons ni drap, ni couverture, la la la
Ni édredon sous la tête (x2)
Nous n’avons ni écuelle, ni cuiller, la la la
Ni de quoi faire du pain (x2)
Nous ferons comme la perdrix, la la la
Nous dormirons sur la terre (x2)
Nous ferons comme la bécasse, la la la
Quand le soleil se lève elle va courir (x2)
Ma chanson est terminée, la la la
Celui qui sait continue… (x2)

« Les trois marins » étaient, au XIXème siècle, dans le chant original, en réalité 60 : « tri-ugent ». Eh oui, on compte en base 20… trois fois vingt… Donc à vous de deviner… si je vous dis que 4 se dit « pevar », comment dit-on 80?

On peut entendre la chanson originale interprétée par Zaig Monjarret… Connaissez-vous cette chanteuse née en 1927 et décédée en 1998? Une voix envoûtante…

Alan Stivell l’a arrangée à la fin des années 60… Voici ce qu’en dit Wikipédia: » Il en fait le premier arrangement folk rock entre 1966 et 1970, avec notamment une introduction à la harpe celtique cordée métal¹. Il crée une orchestration (harpe, violon, guitares, claviers, basse, batterie), une harmonisation et un arrangement (tempo, accords, suite harmonique…). Il interprète cette chanson à l’Olympia le 28 février 1972 lors d’un concert retransmis en direct sur Europe 1. Cependant, il l’avait ajouté à son set « pour avoir un nombre de titres suffisants ! »^{n 1} Aujourd’hui, il la chante à tous ses concerts, dans des versions qui diffèrent souvent avec les tournées. »
Voici une version de 1973, avec un Alan Stivell tout jeune encore…

Et savez-vous que c’est une danse qu’on peut interpréter de deux manières différentes? En sud Cornouailles, une ronde à trois pas… Une belle explication pour les enfants ici… Et, plus au Nord, une gavotte…

Alors, à vous… écoutez… et dansez maintenant… comme la skrilh-gwez…